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Exposición colectiva "Trinchera"

Del 15 de noviembre al 15 de diciembre.

 

TRINCHERA.

Galería Espacio 0, del 15 de noviembre al 15 de diciembre.

 

La guerra ha empezado y el sonido de las lanzas rozan las cabezas de los creadores, hay que estar alerta, la guerra siempre augura un cambio de época y todos queremos estar en el bando ganador.

Gombrich afirmó; "La imitación de la naturaleza, o la creación de la ilusión visual, se ha desplazado desde el arte hasta la industria del espectáculo: con los panoramas ópticos primero, y luego con el cine. Esto ha hecho que los artistas se distancien de la creación de ilusión, por ser algo comercial, y quieran hacer algo diferente."

Velázquez nunca soñó pintar en 4K, ni imaginó visitar Breda en realidad inmersiva con unas gafas de apariencia robótica. Era fácil no sentir ese deseo, su práctica visual fue humanizada, permitiendo la observación hasta donde su propio físico le alcanzó, su imagen en movimiento constante le hacía desvanecer los contornos y jamás reparó en poros de la piel de sus protagonistas, nada que ver a como vemos hoy las películas en nuestras enormes smarts tv de alta definición de nuestro salón.

Hoy en día en la era de la comunicación y el conocimiento, la tecnología nos tiende el brazo a nuevas formas de entender el mundo que nos rodea, podemos ver a través de Street View las calles de Breda en tiempo real, e incluso saber el tiempo que está haciendo, mientras que Velázquez nunca pudo visitarla para poder pintar su cuadro. El concepto de la realidad y por lo tanto el de la verdad jugaba a favor del desconocimiento de sus espectadores. Sin embargo el cuadro es capaz de trasladarnos a la escena con gran detalle y ni siquiera reparamos en esto, ¿pero de dónde sacó esa documentación para describir la entrega de las llaves de la ciudad sin internet ni siquiera con fotografías? Una de sus visiones principales debió de ser la que le dio Ambrosio Spínola en 1629, ya que ambos coincidieron en la nave del militar en un viaje a Génova. El primero en busca de conocer de primera mano a los maestros italianos y el segundo de regreso a su ciudad natal, tras el campo de batalla. Durante ese viaje, el pintor, se hizo una idea precisa probablemente por la narración del Genovés y aunque desde ese encuentro hasta la creación del famoso cuadro encargado por Felipe IV, transcurrieron cinco años, el artista debió labrar desde su imaginación una imagen precisa y a la vez distanciada de lo ocurrido, lo que favorecería el carácter teatral que le imprimió a la escena y que sin duda debió de ser completamente diferente a lo que allí sucedió. Lo más sorprendente es que independientemente de lo que allí ocurriera, el cuadro trasciende finalmente a la imaginación colectiva como la verdad.

Aunque pueda parecer contradictorio, el estar inmerso en la época del conocimiento, el artista contemporáneo conecta directamente con esa idea de la verdad, yendo más allá de lo que se considera real. La obra de arte aspira a la eternidad y su pretensión temporal no es la de testificar como son las cosas en realidad sino como las percibimos. Bajo este discurso la exposición hace una revisión sobre la imagen y su uso frente a las nuevas formas de conocimiento. Dar a conocer diversas realidades a través de la pintura, porque el arte en general va en contra de las modas y de la tecnología y aunque indudablemente se nutre su pretensión es la de ser atemporal.

Tal vez en tiempos de guerra la mejor estrategia es permanecer en la trinchera y dejar las guerras para otros.



Angustia



En lo último una montaña camina

Hombres color de tierra naufragan en la grieta más baja

El fatalismo unce las almas de aquéllos

que bañaron su pequeña esperanza en las piletas de la noche.

Las bayonetas sueñan con los entreveros nupciales

El mundo se ha perdido y los ojos de los muertos lo buscan

El silencio aúlla en los horizontes hundidos.



Jorge Luis Borgesen Grecia(n.° 43, l-VI-1920, Sevilla), incluido en Antología de la poesía latinoamericana de vanguardia (1916-1935)(Ediciones Hiperión, Madrid, 2003, ed. de Mihai G. Grünfeld).

 

MARÍA CARBONELL(1980), realiza sus estudios artísticos en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos (Valencia). Cuenta con exposiciones individuales en París, Madrid, Toronto, Londres y Salamanca entre otras y ha recibido numerosos premios como el Premio Pablo de la Peña de Torres en el XLIV Concurso Internacional de Pintura Villa de Fuente Álamo (Fuente Álamo, Murcia, 2016), artista residente en el VI Encontro de Artistas Novos ‘Cidade da Cultura’ (Santiago de Compostela, 2016), así como prestigiosas selecciones como el BP Portrait Award (Londres, 2011, 2014 y 2015).

“Mi trabajo nace de una necesidad de romper con la imagen lo que me lleva a trabajar a partir de imágenes encontradas en internet que me sirven como punto de partida, las cuales acaban siendo alteradas mediante su fragmentación y reconstrucción posterior, generando una imagen diferente a la original que se encuentra fuera de cierto contexto o lógica. La enfermedad, el dolor, la violencia, la igualdad de género, son algunos de los temas que aparecen de forma recurrente, tomando como motivo central la figura humana, donde analizo, reflexiono y critico la sociedad actual”.

 

JOSÉ LUIS CEÑA, Málaga 1982. A los 15 años se traslada a Madrid, ciudad donde se licencia en la carrera de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de Artes Plásticas en 2005. En 2001 es becado por la Real Casa de la Moneda para la ampliación de sus estudios en las disciplinas de Grabado y Diseño Gráfico. Cuenta con numerosos premios, tales como; XVIIIPremio de Pintura Fundación Mainel, 2º Concurso de Retrato - ModPortrait 2014, XIII Certamen Cultural Virgen de las Viñas.

Lo concreto queda relegado para depositar todo el peso del mensaje en la proyección del sentimiento por parte del espectador, en su particular modo y momento de percepción. Temática de indudable misterio, invoca a la contemplación y provoca la incógnita romántica.

 

DANIEL FRANCA(1985), nació en Sevilla y se licenció en Bellas Artes en la Universidad Hispalense. Desde entonces, su carrera siempre ha estado en constante crecimiento: estancias en la República Checa y en Alemania, una residencia en California (Estados Unidos), pensionado del Palacio del Quintanar y su paso por la Fundación Antonio Gala lo han forjado como uno de los artistas contemporáneo más destacados de Andalucía.

"Mis motivos son decadentes. Es la misma decadencia lo que quiero reflejar. Tener conciencia de que lo humano no es adquisición sino pérdida, de que la pérdida es parte esencial de la vida humana y que la plenitud no es más que una ilusión.

Quiero invitar a la gente a mirar y a intentar entender lo que yo a veces no entiendo.

Pintar es bastante simple, es práctica, entrenamiento y experimentar mientras uno apunta hacia la mejor versión de uno mismo. Es enseñar lo desconocido".

 

JOSEP TORNERO,Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Murcia (2016).

Artista residente en la Real Academia de España en Roma durante 2015-16, donde desarrolló el proyecto Gods, Animals and Death. Algunos de sus proyectos individuales son Fantasmagorías: objeto y síntoma(Centro Párraga, Murcia, 2015), Dans l’interstice du silence(L’Escalier Espace d’Art, Montreuil, Francia, 2014).Durante 2018 realizará diversos proyectos, como la propuesta para Mano sobre mano, proyecto que se presentará en el stand de ABC Cultural en ARCOmadrid 18.

En mi trabajo se aborda lo no visible a partir de una aproximación a la historia de las imágenes, potenciando de esta manera la idea de retorno. Surge así un interés hacia el descubrimiento, sentido éste como una experiencia visual  referido a la semejanza y la desemejanza, a la figura y la desfiguración, a la forma y lo informe.

 

FRAN MORA, Valverde del Camino, 1979. Licenciado en Bellas Artes, especialidad de pintura, Universidad de Sevilla.Año 2005-2006 becado en la Accademia di Belle Arti di Palermo (Italia).Verano 2005 beca de trabajo a Marruecos concedida por la Fundación Tres Culturas. PREMIOS 2008 Primer Premio XXII Salón de Otoño ciudad de Huelva.Premio Universidad de Huelva Certamen Nacional de Pintura de Gibraleón.Segundo Premio Certamen Nacional de Pintura ciudad de Rota.Premio Inmoverde Certamen Nacional de Pintura ciudad de Badajoz, entre otros. Cuenta con exposiciones individuales como; Sala de l, Estaque  Marsella (Francia).Casa Colón, Huelva.Sala de exposiciones de la Diputación de Salamanca.Palacio Santa Rosalía, Palermo (Italia).Sala Endanza, Sevilla.Galería Álvarez Quintero, Sevilla.

 

Del 3 de mayo al 9 de junio

 

 

Se conoce como cantes de ida y vuelta a un grupo de palos flamencos directamente emparentados con diferentes formas del folclore americano. La aparición de este conjunto de géneros se originó por el intercambio marítimo de artistas que llevaron a adaptar aquellos palos más “jondos” a inspirarse en las melodías más dulces de los cantes tradicionales. Las guajiras, rumbas, vidalitas y milongas y las colombianas.

La relación directa que Andalucía occidental mantuvo con las Indias durante el Siglo de Oro debido al florecimiento comercial se materializó en un legado cultural que aún hoy en la actualidad se mantiene. Arquitectura, fiestas, música, costumbres, lengua... atrajo un intercambio constante que con sus sombras y luces especialmente referido a lo referido a antropológico. 

La Milonga del forastero que interpretó Carmen Linares sobre versos de Jorge Luis Borges, habla de una serie de campañas militares que se produjeron en los años 1811 y 12 en las provincias del Río de la Plata y que sirvieron para liberar del dominio realista español en la Banda Oriental.

Doctor en Bellas Artes, nace en Sevilla en 1940. Inició sus estudios artísticos en la Escuela de Artes y Oficios. Mientras estudió el Bachillerato superior, se inició en el dibujo comercial en un taller de fotograbado familiar. Vivió en Madrid en el año 61, asistiendo a clases de dibujo a la vez que trabaja en un estudio de publicidad. De vuelta en Sevilla, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes, sin dejar de dibujar para agencias y estudios de grabado; creó su propio estudio de gráfica. Hasta 1971 alternaría  su actividad de grafista con la de pintor, año en el que entra como profesor en la Escuela Superior Bellas de Artes al cargo de la materia “Dibujo del Antiguo y Ropajes”. A partir de entonces, abandona Article Managerpaulatinamente su dedicación a la gráfica publicitaria, para dedicarse íntegramente a la práctica de la pintura y la enseñanza. En el año 2011 se jubiló.

La  relación de Antonio Agudo con Latinoamérica se fijó desde su primera visita a Guatemala en 1977. Fue un flechazo y esta primera experiencia le serviría para enamorarse de la exuberancia del mundo indígena. Los continuos viajes que el artista ha ido realizando, han trascendido más allá de lo pictórico y evolucionando desde su inicial visión romántica para profundizar sobre lo verdaderamente importante. Su obra debe entenderse como un verdadero compromiso cultural, cuyo eje principal gira en torno a lo humano.

Sus estancias le han permitido sumergirse con mayor profundidad en lo antropológico, tal como indicaba Elías Zamora (artículo publicado en Sevilla 92, N8). (Para dejar paso a toda una gama de sensaciones que iba a permitir entrar y conocer el verdadero corazón, la realidad de la vida del indio). (Ahora los mercados no eran solo belleza y murmullo. En los tejidos no descubrió solo la belleza si no que reparó en que tal prodigio artesanal cubría el cuerpo enjuto de una mujer indígena, maltratado tanto por la naturaleza, como por los hombres). Esta nueva visión humana le llevó a una transformación en su pintura.

Raúl Chávarri escribió, “Agudo significa el magisterio y un ejemplo dentro de nuestro realismo de vanguardia, una vuelta a la pintura de ayer realizada por un hombre absolutamente actual, una recreación del humanismo propio de la época, desde los postulados de una personalidad a la vez tradicional y revolucionaria” CHAVARRI, R. (1974) Antonio Agudo y el realismo de los años 70, Ed Instituto de Cultura Hispánica, Madrid.

El artista describe su pintura como una constante y desesperada búsqueda, no del realismo como tendencia, sino del realismo como contacto con la realidad y aunque su obra requiere una sólida técnica el artista no se siente esclavo de la misma. La exposición reúne dos temas principales el paisaje y la figura humana.

El artista, con un dominio fuera de lo común, prefiere la sobriedad del dibujo para abordar la figura humana, el virtuosismo de su dibujo atmosférico, huye de los contornos definidos potenciando el carácter vital de sus personajes

Sus actitudes están cargadas de nostalgia, desnudas de lo decorativo. Parecen ausentes, mostrando la profundidad de la mirada de un alma siempre melancólica.  El artista es capaz de dibujar el silencio que le precede a un diálogo íntimo.

El paisaje mantiene una paleta sobria cargada de matices y transparencias que a modo de superposiciones veladas van adquiriendo una complejidad cromática basada en la gestualidad. La quietud del paisaje tradicional aquí nos lleva al dinamismo con el que el espectador se enfrenta a la naturaleza. Su paleta etérea huye del falso artificio de la luz, ahonda en lo esencial y se distancia de la propia realidad, no es un pintor impresionista. Su visión es romántica y recreada. El paisaje es una extensión de lo humano, entorno que coloniza para hacerlo suyo. El silencio vuelve a aparecer como tema principal, nos traslada a la contemplación de la grandiosidad de la naturaleza hacia lo íntimo y contemplativo.

En esta exposición el espectador disfrutará de 17 piezas entre dibujos y pinturas, donde podrá desgranar la estrecha relación humanística que la obra del artista tiene. Una cuidada selección de obras de diferentes formatos y épocas. Una ocasión ideal tanto para conocer la trayectoria del reconocido maestro, como para poder adquirir alguna de las piezas expuestas, que ya forman parte de la historia del realismo contemporáneo Andaluz.

 

 

 

 

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Espacio 0 es una Galería de Arte contemporáneo, situada en Huelva. Dirigida por Gustavo Domínguez nació en 2016. Desde su presentación ha marcado una línea expositiva ecléctica, contando con un programa donde tienen cabida tanto artistas ya consagrados como jóvenes propuestas independientemente de su línea estética. Además de las exposiciones  mensuales contamos con un fondo de galería.

La galería pretende ser un espacio abierto siguiendo un planteamiento joven y dinámico para ello contamos con un gabinete didáctico. Contamos con un espacio multifuncional en el que se realizan actividades paralelas al programa expositivo.

 

 

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