Exposición colectiva "Trinchera"

TRINCHERA

Galería Espacio 0, del 15 de noviembre al 15 de diciembre.

 

La guerra ha empezado y el sonido de las lanzas rozan las cabezas de los creadores, hay que estar alerta, la guerra siempre augura un cambio de época y todos queremos estar en el bando ganador.

Gombrich afirmó; "La imitación de la naturaleza, o la creación de la ilusión visual, se ha desplazado desde el arte hasta la industria del espectáculo: con los panoramas ópticos primero, y luego con el cine. Esto ha hecho que los artistas se distancien de la creación de ilusión, por ser algo comercial, y quieran hacer algo diferente."

Velázquez nunca soñó pintar en 4K, ni imaginó visitar Breda en realidad inmersiva con unas gafas de apariencia robótica. Era fácil no sentir ese deseo, su práctica visual fue humanizada, permitiendo la observación hasta donde su propio físico le alcanzó, su imagen en movimiento constante le hacía desvanecer los contornos y jamás reparó en poros de la piel de sus protagonistas, nada que ver a como vemos hoy las películas en nuestras enormes smarts tv de alta definición de nuestro salón.


Hoy en día en la era de la comunicación y el conocimiento, la tecnología nos tiende el brazo a nuevas formas de entender el mundo que nos rodea, podemos ver a través de Street View las calles de Breda en tiempo real, e incluso saber el tiempo que está haciendo, mientras que Velázquez nunca pudo visitarla para poder pintar su cuadro. El concepto de la realidad y por lo tanto el de la verdad jugaba a favor del desconocimiento de sus espectadores. Sin embargo el cuadro es capaz de trasladarnos a la escena con gran detalle y ni siquiera reparamos en esto, ¿pero de dónde sacó esa documentación para describir la entrega de las llaves de la ciudad sin internet ni siquiera con fotografías? Una de sus visiones principales debió de ser la que le dio Ambrosio Spínola en 1629, ya que ambos coincidieron en la nave del militar en un viaje a Génova. El primero en busca de conocer de primera mano a los maestros italianos y el segundo de regreso a su ciudad natal, tras el campo de batalla. Durante ese viaje, el pintor, se hizo una idea precisa probablemente por la narración del Genovés y aunque desde ese encuentro hasta la creación del famoso cuadro encargado por Felipe IV, transcurrieron cinco años, el artista debió labrar desde su imaginación una imagen precisa y a la vez distanciada de lo ocurrido, lo que favorecería el carácter teatral que le imprimió a la escena y que sin duda debió de ser completamente diferente a lo que allí sucedió. Lo más sorprendente es que independientemente de lo que allí ocurriera, el cuadro trasciende finalmente a la imaginación colectiva como la verdad.

Aunque pueda parecer contradictorio, el estar inmerso en la época del conocimiento, el artista contemporáneo conecta directamente con esa idea de la verdad, yendo más allá de lo que se considera real. La obra de arte aspira a la eternidad y su pretensión temporal no es la de testificar como son las cosas en realidad sino como las percibimos. Bajo este discurso la exposición hace una revisión sobre la imagen y su uso frente a las nuevas formas de conocimiento. Dar a conocer diversas realidades a través de la pintura, porque el arte en general va en contra de las modas y de la tecnología y aunque indudablemente se nutre su pretensión es la de ser atemporal.

 

Tal vez en tiempos de guerra la mejor estrategia es permanecer en la trinchera y dejar las guerras para otros.



Angustia



En lo último una montaña camina

Hombres color de tierra naufragan en la grieta más baja

El fatalismo unce las almas de aquéllos

que bañaron su pequeña esperanza en las piletas de la noche.

Las bayonetas sueñan con los entreveros nupciales

El mundo se ha perdido y los ojos de los muertos lo buscan

El silencio aúlla en los horizontes hundidos.



Jorge Luis Borgesen Grecia(n.° 43, l-VI-1920, Sevilla), incluido en Antología de la poesía latinoamericana de vanguardia (1916-1935)(Ediciones Hiperión, Madrid, 2003, ed. de Mihai G. Grünfeld).

 

MARÍA CARBONELL(1980), realiza sus estudios artísticos en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos (Valencia). Cuenta con exposiciones individuales en París, Madrid, Toronto, Londres y Salamanca entre otras y ha recibido numerosos premios como el Premio Pablo de la Peña de Torres en el XLIV Concurso Internacional de Pintura Villa de Fuente Álamo (Fuente Álamo, Murcia, 2016), artista residente en el VI Encontro de Artistas Novos ‘Cidade da Cultura’ (Santiago de Compostela, 2016), así como prestigiosas selecciones como el BP Portrait Award (Londres, 2011, 2014 y 2015).

“Mi trabajo nace de una necesidad de romper con la imagen lo que me lleva a trabajar a partir de imágenes encontradas en internet que me sirven como punto de partida, las cuales acaban siendo alteradas mediante su fragmentación y reconstrucción posterior, generando una imagen diferente a la original que se encuentra fuera de cierto contexto o lógica. La enfermedad, el dolor, la violencia, la igualdad de género, son algunos de los temas que aparecen de forma recurrente, tomando como motivo central la figura humana, donde analizo, reflexiono y critico la sociedad actual”.

 

JOSÉ LUIS CEÑA, Málaga 1982. A los 15 años se traslada a Madrid, ciudad donde se licencia en la carrera de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de Artes Plásticas en 2005. En 2001 es becado por la Real Casa de la Moneda para la ampliación de sus estudios en las disciplinas de Grabado y Diseño Gráfico. Cuenta con numerosos premios, tales como; XVIIIPremio de Pintura Fundación Mainel, 2º Concurso de Retrato - ModPortrait 2014, XIII Certamen Cultural Virgen de las Viñas.

Lo concreto queda relegado para depositar todo el peso del mensaje en la proyección del sentimiento por parte del espectador, en su particular modo y momento de percepción. Temática de indudable misterio, invoca a la contemplación y provoca la incógnita romántica.

 

DANIEL FRANCA(1985), nació en Sevilla y se licenció en Bellas Artes en la Universidad Hispalense. Desde entonces, su carrera siempre ha estado en constante crecimiento: estancias en la República Checa y en Alemania, una residencia en California (Estados Unidos), pensionado del Palacio del Quintanar y su paso por la Fundación Antonio Gala lo han forjado como uno de los artistas contemporáneo más destacados de Andalucía.

"Mis motivos son decadentes. Es la misma decadencia lo que quiero reflejar. Tener conciencia de que lo humano no es adquisición sino pérdida, de que la pérdida es parte esencial de la vida humana y que la plenitud no es más que una ilusión.

Quiero invitar a la gente a mirar y a intentar entender lo que yo a veces no entiendo.

Pintar es bastante simple, es práctica, entrenamiento y experimentar mientras uno apunta hacia la mejor versión de uno mismo. Es enseñar lo desconocido".

 

JOSEP TORNERO,Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Murcia (2016).

Artista residente en la Real Academia de España en Roma durante 2015-16, donde desarrolló el proyecto Gods, Animals and Death. Algunos de sus proyectos individuales son Fantasmagorías: objeto y síntoma(Centro Párraga, Murcia, 2015), Dans l’interstice du silence(L’Escalier Espace d’Art, Montreuil, Francia, 2014).Durante 2018 realizará diversos proyectos, como la propuesta para Mano sobre mano, proyecto que se presentará en el stand de ABC Cultural en ARCOmadrid 18.

En mi trabajo se aborda lo no visible a partir de una aproximación a la historia de las imágenes, potenciando de esta manera la idea de retorno. Surge así un interés hacia el descubrimiento, sentido éste como una experiencia visual  referido a la semejanza y la desemejanza, a la figura y la desfiguración, a la forma y lo informe.

 

FRAN MORA, Valverde del Camino, 1979. Licenciado en Bellas Artes, especialidad de pintura, Universidad de Sevilla.Año 2005-2006 becado en la Accademia di Belle Arti di Palermo (Italia).Verano 2005 beca de trabajo a Marruecos concedida por la Fundación Tres Culturas. PREMIOS 2008 Primer Premio XXII Salón de Otoño ciudad de Huelva.Premio Universidad de Huelva Certamen Nacional de Pintura de Gibraleón.Segundo Premio Certamen Nacional de Pintura ciudad de Rota.Premio Inmoverde Certamen Nacional de Pintura ciudad de Badajoz, entre otros. Cuenta con exposiciones individuales como; Sala de l, Estaque  Marsella (Francia).Casa Colón, Huelva.Sala de exposiciones de la Diputación de Salamanca.Palacio Santa Rosalía, Palermo (Italia).Sala Endanza, Sevilla.Galería Álvarez Quintero, Sevilla.

José Manuel Albarrán. LINK

Del 11 de octubre al 10 de noviembre.

 

La exposición LINK de José Manuel Albarrán nos invita a profundizar sobre las nuevas formas en las relaciones humanas.


No cabe duda que nuestra vinculación con el tiempo está cambiando. Cualquier joven que espere más de 30 segundos ante una página de internet acabará desesperándose y probablemente abandonando su propósito, aunque por lo contrario no caerá en la cuenta del verdadera milagro al que está asistiendo, el de poder tener a su alcance casi de manera instantánea el conocimiento global. Así ocurre hoy en día con prácticamente todo, véase por ejemplo la mayoría de nuestras relaciones personales diarias, que aunque las hacemos de manera instantáneas, son sin embargo de manera indirecta. En los últimos diez años nuestros hábitos de comunicación se han modificado radicalmente y preferimos la inmediatez sacrificando el contacto directo.

Un link es el elemento de un documento electrónico que permite acceder automáticamente a otro documento o a otra parte del mismo, creando conexiones de redes informativa. Estas redes son expansivas y según las decisiones que tomemos a la hora de “cliquear” nuestra información se irá redirigiendo y evolucionando de una manera aparentemente incontrolada. Los resultados que en principio podríamos considerar aleatorios, son siempre manipulados ya que por ejemplo los algoritmos de posicionamiento de la información dependerán del buscador que estemos utilizando. A modo de metáfora y bajo el título de esta exposición el artista José Manuel Albarrán pretende a través de sus obras hacernos profundizar sobre las nuevas formas de las relaciones humanas.

Sólo necesitamos 5 minutos de charla con el artista para entender la sinceridad con la que se esboza de su trabajo. Sus orígenes parten del oficio; por el gusto y el respeto a la materia prima. El artista usa la madera, la arcilla, el papel y la pintura, aunque como un alquimista investiga con pulcritud en la intimidad. Su espacio de trabajo recoge numerosas anotaciones de su proceso, que cuidado y meticuloso le llevan a investigar sobre cualquier soporte con total libertad; algunos tradicionales y otros como el dibond o el vinilo. El medio le sirve para un fin mayor, entender el mundo que le rodea, para que casi a modo de antropólogo pueda profundizar sobre lo que le interesa realmente, las relaciones humanas. Como dijo Foucault “Lo propio del saber no es ni ver ni demostrar, sino interpretar.”

En su estudio el tiempo se detiene en busca de lo elemental. Trabajador incansable busca en sus orígenes la sinceridad de su discurso, emocional y cautivador. Aunque no debemos engañarnos tras la aparente sencillez se esconde un verdadero David que en los últimos años ha recogido numerosos reconocimientos en toda España, así por ejemplo, en agosto obtenía el Premio Nacional de Escultura en el IX Certamen Nacional de Pintura y Escultura de San Bartolomé y en septiembre el Premio del  XXXIII Concurso Nacional de Pintura de Bollullos Par del Condado pueblo donde reside y sin ir más lejos este pasado fin de semana recogía otro nuevo en  El Cerro del Andévalo.

La muestra recoge una retrospectiva sobre sus últimas series donde el espectador encontrará la búsqueda de las conexiones humanas que a veces se verán representadas a través del paisaje que a modo de cartografías analizarán el espacio y el hábitat, hasta la serie más reciente donde el espacio se simplifica hasta llegar a la unidad mínima despojandola del artificio





Las series que los visitantes podrán disfrutar son:


CARTOGRAFÍA DE UN PAISAJE

Fruto del que fue su proyecto becado por la Fundación Rodríguez Acosta (Granada 2014). El artista atrapa el concepto de paisaje como un lenguaje cartográfico para alejarse de su representación. Le interesa la lejanía, que posiciona al observador como un caminante que debe valorar o apreciar los contornos emocionales de las urbes y sus conexiones entre el comportamiento humano y la geografía urbana.

Estas cartografías y mapas mentales se han enriquecido debido a la comunicación inmaterial, como las telegráficas, telefónicas y actualmente internet. Este último tiene la peculiaridad de producir la sensación de estar en una red de flujo continuo que no sigue ningún modelo que represente esta nueva realidad.

 

STAGE BUILT

En esta otra serie, propone una opción narrativa de luz, forma y el espacio sin profundidad. Con ellas genera una serie de imágenes basada en la intuición (vida interior), como estrategia que reformula el espacio representado.

 

CONEXIONES

En esta serie, toma como punto de partida, la unidad mínima de información que contiene una imagen bidimensional (el pixel)(acrónimo del inglés picture element, 'elemento de imagen'), es la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital. El Artista utiliza la forma cuadrada, como metáfora del continente y el color como elemento de contenido. Cuando la imagen es tridimensional, es el Vóxel (del inglés volumetric pixel) es la unidad cúbica que compone un objeto tridimensional. Constituye la unidad mínima procesable de una matriz tridimensional y es, por tanto, el equivalente del píxel en un objeto 2D.

Estas dos formas encajan perfectamente tanto en un círculo (píxel) o en una esfera (el Vóxel). Cuando estas formas se conectan tomando contacto, desencadena combinaciones  infinitas, es cuando se plantea un discurso sobre lo que se transmite y lo que se interpreta al verlas, el resultado es un intento de comunicación y como anotaba Kandinsky en libro La gramática de la creación

¡Que silenciosa es una manzana al lado del Laoconte!

Un círculo es aún más silencioso al lado de una manzana. Hay que saber apreciar esta facultad progresiva de oír un sonido en el silencio.”

 

La exposición se inaugura este jueves 11 a las 20:00 h. en la Galería Espacio 0, situada en la Calle Miguel Redondo 52 y estará hasta el 10 de noviembre.

 

 

"LINK" por José Manuel Albarrán

La exposición LINK de José Manuel Albarrán nos invita a profundizar sobre las nuevas formas en las relaciones humanas.

 

No cabe duda que nuestra vinculación con el tiempo está cambiando. Cualquier joven que espere más de 30 segundos ante una página de internet acabará desesperándose y probablemente abandonando su propósito, aunque por lo contrario no caerá en la cuenta del verdadera milagro al que está asistiendo, el de poder tener a su alcance casi de manera instantánea el conocimiento global. Así ocurre hoy en día con prácticamente todo, véase por ejemplo la mayoría de nuestras relaciones personales diarias, que aunque las hacemos de manera instantáneas, son sin embargo de manera indirecta. En los últimos diez años nuestros hábitos de comunicación se han modificado radicalmente y preferimos la inmediatez sacrificando el contacto directo.

Un link es el elemento de un documento electrónico que permite acceder automáticamente a otro documento o a otra parte del mismo, creando conexiones de redes informativa. Estas redes son expansivas y según las decisiones que tomemos a la hora de “cliquear” nuestra información se irá redirigiendo y evolucionando de una manera aparentemente incontrolada. Los resultados que en principio podríamos considerar aleatorios, son siempre manipulados ya que por ejemplo los algoritmos de posicionamiento de la información dependerán del buscador que estemos utilizando. A modo de metáfora y bajo el título de esta exposición el artista José Manuel Albarrán pretende a través de sus obras hacernos profundizar sobre las nuevas formas de las relaciones humanas.

Sólo necesitamos 5 minutos de charla con el artista para entender la sinceridad con la que se esboza de su trabajo. Sus orígenes parten del oficio; por el gusto y el respeto a la materia prima. El artista usa la madera, la arcilla, el papel y la pintura, aunque como un alquimista investiga con pulcritud en la intimidad. Su espacio de trabajo recoge numerosas anotaciones de su proceso, que cuidado y meticuloso le llevan a investigar sobre cualquier soporte con total libertad; algunos tradicionales y otros como el dibond o el vinilo. El medio le sirve para un fin mayor, entender el mundo que le rodea, para que casi a modo de antropólogo pueda profundizar sobre lo que le interesa realmente, las relaciones humanas. Como dijo Foucault “Lo propio del saber no es ni ver ni demostrar, sino interpretar.”

En su estudio el tiempo se detiene en busca de lo elemental. Trabajador incansable busca en sus orígenes la sinceridad de su discurso, emocional y cautivador. Aunque no debemos engañarnos tras la aparente sencillez se esconde un verdadero David que en los últimos años ha recogido numerosos reconocimientos en toda España, así por ejemplo, en agosto obtenía el Premio Nacional de Escultura en el IX Certamen Nacional de Pintura y Escultura de San Bartolomé y en septiembre el Premio del  XXXIII Concurso Nacional de Pintura de Bollullos Par del Condado pueblo donde reside y sin ir más lejos este pasado fin de semana recogía otro nuevo en  El Cerro del Andévalo.

La muestra recoge una retrospectiva sobre sus últimas series donde el espectador encontrará la búsqueda de las conexiones humanas que a veces se verán representadas a través del paisaje que a modo de cartografías analizarán el espacio y el hábitat, hasta la serie más reciente donde el espacio se simplifica hasta llegar a la unidad mínima despojandola del artificio



Las series que los visitantes podrán disfrutar son:

 

CARTOGRAFÍA DE UN PAISAJE

Fruto del que fue su proyecto becado por la Fundación Rodríguez Acosta (Granada 2014). El artista atrapa el concepto de paisaje como un lenguaje cartográfico para alejarse de su representación. Le interesa la lejanía, que posiciona al observador como un caminante que debe valorar o apreciar los contornos emocionales de las urbes y sus conexiones entre el comportamiento humano y la geografía urbana.

Estas cartografías y mapas mentales se han enriquecido debido a la comunicación inmaterial, como las telegráficas, telefónicas y actualmente internet. Este último tiene la peculiaridad de producir la sensación de estar en una red de flujo continuo que no sigue ningún modelo que represente esta nueva realidad.

 

STAGE BUILT

En esta otra serie, propone una opción narrativa de luz, forma y el espacio sin profundidad. Con ellas genera una serie de imágenes basada en la intuición (vida interior), como estrategia que reformula el espacio representado.

 

CONEXIONES

En esta serie, toma como punto de partida, la unidad mínima de información que contiene una imagen bidimensional (el pixel)(acrónimo del inglés picture element, 'elemento de imagen'), es la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital. El Artista utiliza la forma cuadrada, como metáfora del continente y el color como elemento de contenido. Cuando la imagen es tridimensional, es el Vóxel (del inglés volumetric pixel) es la unidad cúbica que compone un objeto tridimensional. Constituye la unidad mínima procesable de una matriz tridimensional y es, por tanto, el equivalente del píxel en un objeto 2D.

Estas dos formas encajan perfectamente tanto en un círculo (píxel) o en una esfera (el Vóxel). Cuando estas formas se conectan tomando contacto, desencadena combinaciones  infinitas, es cuando se plantea un discurso sobre lo que se transmite y lo que se interpreta al verlas, el resultado es un intento de comunicación y como anotaba Kandinsky en libro La gramática de la creación

¡Que silenciosa es una manzana al lado del Laoconte!

Un círculo es aún más silencioso al lado de una manzana. Hay que saber apreciar esta facultad progresiva de oír un sonido en el silencio.”

 

La exposición se inaugura este jueves 11 a las 20:00 h. en la Galería Espacio 0, situada en la Calle Miguel Redondo 52 y estará hasta el 10 de noviembre.

 

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"TASOGARE" de Hisae Yanase

Del 7 de septiembre al 6 de octubre

 

La artista japonesa Hisae Yanase nos invita al autoconocimiento a través del misterio y el  arte.

Tasogare es el término utilizado en Japón para describir el momento posterior a la puesta del Sol, un momento mágico donde todo se desdibuja, donde el contraluz contornea las figuras haciéndonos dudar si aquel que está frente a nosotros sea una persona o un fantasma. En torno a esta idea, la experimentada y reconocida artista nos hace reflexionar sobre quienes somos para enfrentarnos a nuestros propios miedos, una forma de autoconocimiento a través de su original visión.  

Hisae (Chiba, Japón, 1943). Se forma en Tokio en la escuela de diseño en el conocimiento del cuero. En 1968 aterriza en Córdoba para conocer la tradición de los cordobanes y guadamecíes. Es miembro de la Academia Internacional de Cerámica IAC.  Su producción ha sido expuesta en multitud de galerías nacionales e internacionales; en Italia, Bélgica, Holanda, Suiza, Portugal, Nicaragua, México, Marruecos, Túnez, Taiwán, Corea del Sur, Japón, Canadá y España, ha celebrado más de cuarenta exposiciones individuales en Tokio, Fukuoka, Busan, Madrid, Salamanca, Valencia, Zaragoza, Lugo, Sevilla, Granada, Málaga y Córdoba. Ha comisariado exposiciones de cerámica contemporánea internacional, como los proyectos Desde la Posada del Potro y Páginas de Barro.

La artista en su constante búsqueda, rehuye de los procesos artesanales supeditados al conocimiento de la técnica, le interesa la simplicidad del material pero va más allá para crear discursos más complejos que profundizan en su particular visión del mundo, sus temas, técnicas y conceptos son puramente contemporáneos. Busca la belleza, no sólo en la forma, sino en lo que expresa.

Su carrera se desarrolla muy ligada al mundo de la cerámica. Se forma en Manises y Sargadelos y es en esta disciplina donde la artista se sumerge con mayor intensidad estableciendo un paralelismo entre el arte popular japonés y español, ya que en ambos contextos, de manera general es constante el sometimiento técnico del creador. Para la artista, la cerámica es el medio y las posibilidades plásticas del material, deben ir más allá del puro conocimiento del material para convertirse en un vehículo de experimentación, descubriendo nuevos usos y formas para distanciarse de los usos convencionales para alcanzar un nuevo plano sensible. Lo sutil deja ver elaboradas y complejas composiciones, vislumbrando un universo armónico donde sumergirnos en la belleza plástica de cada rincón de la obra. El uso de los materiales sencillos como el barro o el papel dejan entrever fotografías que son intervenidas mediante estampaciones o dibujos alejándonos del propio objeto. La naturaleza más allá del concepto paisajístico occidental, ocupa la temática de su obra.

Su obra esconde siempre un amor a sus orígenes, aunque para entenderla en plenitud no debemos  buscar las influencias puramente orientales. Su particular visión abre la mirada al espectador, nos muestra una particular forma de observar la realidad. La artista más allá de mantener una línea uniforme se renueva en cada serie para sorprendernos con nuevas estéticas y temas. En esta ocasión la artista nos enfrenta a nosotros mismos en un ambiente misterioso donde nada parece ser lo que es, la incertidumbre como forma de conocimiento. A través de 4 series y una instalación:

Página de Yokai; Escena de Tasogare; Toros y Fantasmas; Hana o Sanaeru y Tasogare

 

Los Yokai referido a los fantasmas o monstruos del folclore tradicional japonés. La artista nos muestra 4 piezas cerámicas que a modo de relievnos acerca al mundo de estos seres que generalmente más poderosos que los seres humanos, y debido a esto, tienden a actuar con arrogancia sobre con los mortales.

Escena de Tasogare e instalación Tasogare; nos acerca al misterio de las últimas luces que empiezan a desdibujar a las figuras que se desvanecen hasta hacernos dudar de la realidad. Es el crepúsculo en el que nada parece lo que es y en el  que nos debemos hacer la pregunta ¿quién eres? Una forma de autoconocimiento e introspección. La instalación elaborada con papel, tela, hilo, luz  y tinta china y la serie Escena de Tasogare elaborada con arcilla y terra sigillata nos llevan a la simbiosis con la luz, la naturaleza y el propio ser.

Toros y Fantasmas: La artista plasma en estas obras, collages y pinturas. Un mundo onírico y poético que entronca el mundo fantasmal nipón con la estética de la corrida de toros. Partiendo de la Higanbana o flores flotantes -o de muerte-, ofrenda típica japonesa el día de los muertos, y de la permanencia tras la muerte del espíritu flotando hasta desaparecer finalmente, cuando éste encuentra la paz, vincula esta idea a elementos para ella básicos en la corrida: la muerte, la sangre -sangre noble del toro-, la vida corta del torero, la vanidad que representa el traje de luces, la apariencia, la mezcla de masculinidad y feminidad en el  torero y la amenaza que representan las astas del toro.

Hana o Sanaeru: Hisae nos adentra en esta tradición budista milenaria de ofrendas florales, donde según la filosofía zen, el silencio es primordial, es un tiempo para apreciar las cosas en la naturaleza que las personas suelen pasar por alto debido a sus ocupadas vidas. Uno llega a ser más paciente y tolerante hacia las diferencias, no sólo en la naturaleza, sino también en general. Este es también el momento en que uno siente la cercanía a la naturaleza que ofrece la relajación de la mente, cuerpo y alma.

 

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"IXMATI" I love América

Del 23 de Julio al 31 de Julio

 

En el Taller Artístico, y desde las actividades de desarrollamos en Educación Artística y Creativa, señalamos la importancia de guiar a los niños y niñas desde una perspectiva de la observación, la experimentación y facilitar procesos de búsqueda de distintas formas de expresión desarrollando su creatividad y sensibilidad artística. El desarrollo de la Creatividad es un objetivo principal que está dentro de nuestra filosofía, pero nuestra mirada va más allá del simple desarrollo de la misma. Nos mueve el fomento de la Pedagogía artística, el enfoque didáctico y la implementación de actividades en pos de una adecuada cultura visual en el entorno que no rodea. De este empeño, y coordinado por Antonio Suárez Muñoz Pedagogo y Arteterapeuta, surge nuestra primera exposición realizada por nuestros pequeños artistas para la Galería Espacio 0.

IXMATI I love América es un paseo por la cultura, creencias y la naturaleza de la América Precolombina. Un pueblo con el que tenemos muchos lazos de vinculación y también muchos aspectos que nos quedan por descubrir y admirar. Partiendo de la idea de descubrimiento nace IXMATI (“Saber” en la lengua indígena Nahua o Náhuatl). La presente exposición pretende dar una visión del pueblo americano partiendo de la fortuna del descubrimiento como asombro y experimentación de unas y unos pequeños artistas que, desde distintas disciplinas y técnicas artísticas, abordan varios aspectos de los pueblos que habitaron en la época anterior al establecimiento cultural y político de los europeos sobre América. Os invitamos a mirar y querer los colores del pueblo americano, con la inocencia, la frescura y la libertad de los niños y niñas del Taller de Verano de Educación Artística y Creativa.

ELEMENTOS DE LA NATURALEZA.Según muchas creencias la creación de todo lo que existe sobre la tierra sería el resultado de la compenetración activa de los elementos opuestos: TIERRA FUEGO AIRE AGUA. Hemos reflejado en esta serie de abstracciones a dichos elementos donde la premisa principal era disfrutar de la sugerencia de Lo Sentido.

MÁSCARAS . Objetos mágicos por excelencia, cumplían diversas funciones: protegían a los guerreros en las batallas o eran utilizadas por los sacerdotes en el ceremonial; también estaban las máscaras mortuorias para ponerlas en el rostro del cadáver. Aparecen representadas unas máscaras inspiradas en distintas divinidades y reinterpretadas por los y las artistas.

TÓTEM. Originariamente de América del norte, un tótem es un objeto de madera o de piedra que era considerado como el protector de un grupo o familia ya que se le atribuía un poder místico o una condición sobrenatural. En él aparecían animales que se situaban en altura por orden de importancia y podía incluir una diversidad de atributos y significados. Hemos realizado una serie de pinturas donde la interpretación del motivo y la adaptación a la propia simbología animal ha sido las notas predominantes. Asimismo, presentamos una instalación construyendo un tótem dando usos a materiales susceptibles de convertirse en artísticos, desnudo de artificios estilísticos y a modo de reflexión medioambiental.

PIEDRA DE SOL. También llamado Calendario Azteca, es una piedra circular que está compuesta por un conjunto de signos e inscripciones alusivas a la cosmogonía mexicana y los cultos solares, y que parecen formar una serie de anillos concéntricos. Estos signos enigmáticos guardan muchos de los conocimientos de los pueblos precolombinos. La piedra original mide 3,56 m de diámetro. La que tenemos presente en la exposición mide 1,20 m de diámetro y es una interpretación geométrica y orgánica de la misma, simplificando formas y colores.

NATURALEZA. LAS AVES. La naturaleza, y en particular, la fauna de estas tierras, contiene unos de sus pilares diferenciadores. El vínculo con la naturaleza se ve reflejado en su cultura y sus mitos. Sobre todo, las aves se presentan en estas regiones como animales sagrados, e incluso aparecen en muchas de sus banderas y emblemas: EL Quetzal, Torogoz, el Guacamayo, y el Turpial violáceo, …son algunos de los representados aquí en forma de pequeñas esculturas.

TRIBUS INDÍGENAS Y HABITANTES INVENTADOS. América del sur tiene unas particularidades especiales. Es junto con Asia y Oceanía los continentes que en el que habitan pueblos aislados de las sociedades dominantes. Este hecho diferenciador tan especial hemos querido que se refleje a modo de esculturas de tribus indígenas y etnias soñadas e inventadas. Dichas etnias llevan máscaras, plumas, herramientas y armas para defenderse (nunca para atacar): la tribu del Ármol, la etnia Puae, la tribu de los gatitos payaso…

 

 

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Abierto L-M-X-J-V  de 11:30h a 13:30h. y de 18:00h. 21:00h. S de 11:00h. a 14:00h.  
C/ Miguel Redondo 52 Huelva, Spain 
(0034) 959 876 293 espaciocero@eltallerartistico.com


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